MEDARDO ROSSO

Con le sue sculture Rosso ha lottato contro la statuarietà fin dalle prime opere quali la Ruffiana, il Birichino, Gli Innamorati sotto il Lampione, Carne Altrui o la Portinaia. Aveva frequentato l'Accademia di Brera, poichè da Torino dove era nato nel 1858, la famiglia si era trasferita a Milano. Vi accede nel 1882, ma nell'83 viene espulso per aver istigato altri allievi ad una sommossa.. Nel 1885 si sposa con Giuditta Pozzi e nasce il figlio Francesco. L'anno sucessivo ritrae madre e figlio nell'opera intitolata Amor Materno. Nel 1889 si reca a parigi dove resterà per molti anni e di questo periodo sono le sculture di Henri Malato all'ospedale, Bimbo malato, Bambino al seno, Bambina che ride, Ritratto Rouart. Dei primi anni '90 datano le sculture Rieuse, Grande Rieuse, Bambino alle cucine economiche, Bookmaker e Uomo che legge, in cui egli giunge alla dissoluzione della materia, che svilupperà anche attraverso un profondo studio e lavoro sulla fotografia, sperimentandone le varie possibilità. Nel 1896 si reca a Londra dove espone insieme ai Preraffaelliti. Nel 1900 presenta alcune opere all'Esposizione Universale di Parigi e qui conosce Etha Fles che sarà per lui una presenza importante sia artistica che affettiva. Espone a Berlino, a Lipsia, alla secessione Viennese. Nel 1904 è al Salon d'Automne ed espone nella sala dove sono collocate le Bagnanti di Cézanne, disponendo sulla parete alcune foto di sue sculture. Nel 1912 Boccioni gli invia personalmente il manifesto della Scultura Futurista. Allo scoppio della prima guerra mondiale rientra in Italia, nel 1914 è invitato alla IX Esposizione Internazionale d'Arte della città di Venezia dove presenta 20 opere: è con lui il figlio Francesco. Anche dopo la fine del conflitto mondiale i suoi soggiorni a Parigi sono sempre più rari ed esporrà invece a Milano presso Bottega di Poesia nel 1923 e al Palazzo della Permanente per la Prima mostra del Novecento Italiano nel 1926. La sua ultima scultura è l'Ecce Puer del 1906, ma il suo lavoro non si ferma, le sue ricerche per raggiungere la dissoluzione della materia non cessano di esercitare il loro fascino sugli artisti delle ultime generazioni. A causa di alcune lastre fotografiche che gli caddero su un piede e gli provocarono una forte infezione, il 31 Marzo 1928 morì a Milano. Le sue sculture sono esposte in tutti i più importanti musei del mondo.

Paul Valéry: Profusion du soir

Au Paul Claudel

Du soleil soutenant la puissante paresse
Qui plane et s’abandonne à l’œil contemplateur,
Regard !... Je bois le vin céleste, et je caresse
Le grain mystéri-eux de l’extrême hauteur.

Je porte au sein brûlant ma lucide tendresse,
Je joue avec les feux de l’antique inventeur ;
Mais le dieu par degrés qui se désintéresse
Dans la pourpre de l’air s’altère avc lenteur.

Laissant dans les champs purs battre toute l’idée,
Les travaux du couchant dans la sphère vidée
Connaissent sans oiseaux leur ancienne grandeur.

L’ange frais de l’œil nu pressent dans sa pudeur,
Haute nativité d’étoile élucidée,
Un diamant agir qui berce la splendeur...

*

MARC QUINN

Marc Quinn’s wide-ranging oeuvre displays a preoccupation with the mutability of the body and the dualisms that define human life: spiritual and physical, surface and depth, cerebral and sexual. Using an uncompromising array of materials, from ice and blood to glass, marble or lead, Quinn develops these paradoxes into experimental, conceptual works that are mostly figurative in form. Quinn’s sculpture, paintings and drawings often deal with the distanced relationship we have with our bodies, highlighting how the conflict between the ‘natural’ and ‘cultural’ has a grip on the contemporary psyche. In 1999, Quinn began a series of marble sculptures of amputees as a way of re-reading the aspirations of Greek and Roman statuary and their depictions of an idealised whole. One such work depicted Alison Lapper, a woman who was born without arms, when she was heavily pregnant. Quinn subsequently enlarged this work to make it a major piece of public art for the fourth plinth of Trafalgar Square. Other key themes in his work include genetic modification and hybridism. Garden (2000), for instance, is a walk-through installation of impossibly beautiful flowers that will never decay, or his ‘Eternal Spring’ sculptures, featuring flowers preserved in perfect bloom by being plunged into sub-zero silicone. Quinn has also explored the potential artistic uses of DNA, making a portrait of a sitter by extracting strands of DNA and placing it in a test-tube. DNA Garden (2001), contains the DNA of over 75 plant species as well as 2 humans: a re-enactment of the Garden of Eden on a cellular level. Quinn’s diverse and poetic work meditates on our attempts to understand or overcome the transience of human life through scientific knowledge and artistic expression. Marc Quinn has exhibited in many important group and solo exhibitions internationally including Sonsbeek ’93, Arnhem (1993), Give and Take, Victoria and Albert Museum, London (2001), Statements 7, 50th Venice Biennale (2003) and Gwangju Biennale (2004). Solo exhibitions include Tate Gallery, London (1995), Kunstverein Hannover (1999), Fondazione Prada, Milan (2000), Tate Liverpool (2002), Irish Museum of Modern Art, Dublin (2004), Groninger Museum, Groningen (2006) and MACRO, Rome (2006), DHC/ART Fondation pour l’art contemporain, Montréal (2007) and Fondation Beyeler, Basel (2009).

marcquinn.com

Derniers jours: Messerschmidt

Sculptures
du 28-01-2011 au 25-04-2011

Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783)

Immersion dans l’univers de ce grand sculpteur allemand, à l’humour décapant, expert dans l’art du portrait, dont l’audace séduit le public contemporain.

Professeur-adjoint à l’Académie royale de Vienne et portraitiste des cercles aristocratiques et intellectuels vivant dans la capitale autrichienne, Franz Xaver Messerschmidt développe son art à son retour d’Italie, en 1766, en s’appuyant sur une riche tradition et une grande virtuosité technique.

Des revers de fortune s’abattent sur lui au cours de la décennie suivante, le privant d’un poste convoité de professeur et le poussant à quitter l’Autriche. Après un court séjour en Bavière, il s’installe définitivement en 1777 à Presbourg (actuelle Bratislava), où il mourra en 1783. C’est dans cette ville qu’il développe une production de têtes sculptées – qu’il avait initiée auparavant –, appelées après sa mort « têtes de caractère ». Exécutées en métal (un alliage fait majoritairement avec de l’étain et/ou du plomb) et en albâtre, ces têtes, exclusivement masculines et correspondant à différents âges, sont strictement frontales et surmontent l’amorce d’un simple buste. La représentation de l’expérience émotionnelle, la fidélité avec laquelle l’artiste rend l’expression du visage (yeux grands ouverts ou fermés par des paupières serrées, bouches grimaçantes, traits crispés) sont impressionnantes de maîtrise.

Riche d’une trentaine d’oeuvres, dont une tête acquise par le musée du Louvre en 2005, cette première exposition organisée en France sur Franz Xaver Messerschmidt en illustre la personnalité mais aussi le génie, capable de décrire les multiples aspects des tensions de l’âme.

Vladimir Sabillon

reìquiem para David y Goliath

Dopo la prima formazione artistica a Tegucigalpa è venuto in Europa, prima in Francia, poi in Italia presso l'Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 2003 si è trasferito all'Accademia di Venezia dove si è laureato nel marzo del 2004. Ha lavorato come titolare della cattedra di disegno archittetonico, espressione grafica, illustrazione, acquarello e tecniche pittoriche, anatomia artistica all''università CEDAC - Centro di Disegno Arquittetura e Costruzione di Tegucigalpa, Honduras, e nell'università UNITEC- Universidad Tecnologica Centroamericana. Ha partecipato a varie mostre e rassegne (vincendo anche, nel 1999, il primo premio della giuria al “Salon de Exposicion de la Alianza Francesa”). La sua prima esposizione italiana, durante Tonalestate 2000, è stata incentrata sul tema “Memoria e Mito”, con la proposta di temi della tradizione maya uniti a temi contemporanei. Nel 2003 partecipa alla “Exposición colectiva de pintura” realizzata durante l'anno accademico 2002-2003 nella “Accademia di Belle Arti” di Venezia (Italia) e, nell'estate, collabora alla esposizione collettiva di pittura “La grazia sottile” realizzata entro il “Tonalestate”.

***

Compagina su labor artística con la docencia en UNITEC (Universidad Tecnológica Centroamericana) y CEUTEC (Centro Universitario de UNITEC) donde imparte diseño gráfico y publicidad. Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras donde trabajó como docente, se licenció en Pintura y Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Venecia, Italia. Ha expuesto individualmente en diversas ocasiones; su última exposición individual tuvo lugar en las localidades italianas de Passo del Tonale y Ponte di Legno en Trentino en 2007. Ha participado en diversas exposiciones colectivas: en 2001 participa en la exposición de pintura y video en ocasión de la conclusión del año académico en la Academia de Bellas Artes de Roma, Italia, y en 2003 en la Academia de Bellas Artes de Venecia. En 2004 es seleccionado para participar en la Bienal de Dibujo del Centro Cultural Sampedrano y en la Antología de las Artes Plásticas y Visuales de Honduras, en esta última también en 2005. En 2008, participa en el Primer Certamen de Pintura Emergente Pablo Zelaya Sierra. Ha recibido diversos premios y reconocimientos por su labor artística. En 1999, recibió el primer premio en el concurso de pintura de la Alliance Française que le permitió viajar a París con una beca de estudios. En 2008 es seleccionado para participar en la Bienal de Artes Visuales de Honduras en el Museo para la Identidad Nacional, Tegucigalpa, Honduras. 

Seleccionado a la  11ª BICM.- Onceava Bienal Internacional de Cartel en México
Seleccionado tra los primeros diez participantes al concurso Poster for Tomorrow 2010


Actualmente estudia a Milan.

Goya: El tres de mayo de 1808

Representación de los fusilamientos de patriotas de Madrid por el ejército de Napoleón, como represalia al levantamiento del 2 de mayo de 1808 contra la ocupación francesa.

Los soldados franceses, de espaldas a la derecha de la composición, apuntan a los madrileños que han de morir. El dramatismo y la tensión de la escena quedan subrayados por el uso de la luz, que ilumina fuertemente a los héroes permitiendo diferenciar sus caracteres y actitudes en un detallado estudio psicológico de los personajes.

Esta obra fue realizada junto a su pareja, El 2 de mayo de 1808 en Madrid: La lucha con los mamelucos, a iniciativa del regente don Luis en 1814. Ambas pudieron servir para decorar un arco de triunfo durante la entrada de Fernando VII en su retorno a Madrid o como conmemoración en las celebraciones del 2 de mayo.

En el lateral inferior izquierdo se observan las huellas de los daños que sufrió el lienzo durante su traslado a Valencia en 1937, durante la Guerra Civil española.

CHRISTIAN SCHAD e le schadografie

Conclusioni

Nel 1855 Antoine Wierz accoglieva così la fotografia:

“Qualche anno fa ci è stata elargita la gloria della nostra epoca, una macchina che costituisce ogni giorno lo stupore dei nostri pensieri e il terrore dei nostri occhi. Prima che sia passato un secolo questa macchina sarà il pennello, la tavolozza, i colori, l’abilità, l’esperienza, la pazienza, la lestezza, la pregnanza, la tinteggiatura, la velatura, il modello, il compimento, l’estratto della pittura… Non si creda che la dagherrotipia abbia ucciso l’arte… quando la dagherrotipia, questa figlia di giganti, sarà cresciuta, quando tutta la sua arte e la sua forza si saranno sviluppate, allora il genio l’afferrerà per la nuca, con la mano, e griderà forte: vieni qui! Tu ora mi appartieni! Lavoreremo insieme”(1).

Le enormi potenzialità espressive del nuovo mezzo venivano percepite già nel XIX secolo. Nel Novecento, gli artisti riservano alla fotografia un’attenzione nuova, finalizzata alla realizzazione di immagini fortemente sperimentali.

Riconducibili al movimento Dada sono i primi esperimenti di fotomontaggio e di fotografia senza camera.

“Dada vede nella fotografia una «meccanica morta» dove si esprimono tutti i concetti statici di una società che finge. Solo l’artificio della fotografia, la deformazione, permette di spezzare questa illusione che si posa come della vernice sulla realtà elementare”(2).

I suggestivi fotogrammi di Christian Schad, in cui le sagome chiare degli oggetti fluttuano nel buio vuoto dell’immagine in negativo, sono una prova autentica delle grandi possibilità della fotografia.

“Hunger of justice” concorso per giovani artisti

La Maison Artistique DaSeyn in collaborazione con l’Associazione Cuturale Tonalestate promuove il concorso per giovani artisti “Hunger of justice”. Tale concorso si fissa come obiettivo la realizzazione di due esposizioni artistiche tese a sviluppare e arricchire il tema annuale del congresso estivo internazionale Tonalestate , che avrà luogo dal 5 all’8 agosto 2011, a Ponte di Legno (Bs), in Italia.

Il concorso ha per tema le lotte tra i popoli, nel passato e nel presente, e i genocidi provocati dalla fame, intesa anche come mancanza di giustizia. Il mondo di oggi ci segnala, infatti, una preoccupante regressione verso problematiche e tragedie che, ancora una volta, si ripetono. La riflessione proposta dal presente bando desidera ricordare gli stermini più o meno dimenticati o manipolati dalla storia, intesi anche come mancanza evidente di giustizia e di diritto, e il grave manifestarsi nella storia, e ai giorni nostri, dell’orrore del predominio di una parte del mondo sull'altro, di nazioni e popoli “forti” contro quelli più “deboli”. Il concorso desidera raccontare la storia di quei popoli che erano e che sono in guerra e che sopportano e subiscono questa “fame”.

Scarica il bando di partecipazione e privacy

Scarica la domanda di partecipazione

a breve disponibili i documenti in varie lingue...
Organizzato da Maison Artistique DaSeyn in collaborazione con Tonalestate

Michel Ocelot

E. Leoni e M. Ocelot  alla manifestazione culturale TONALESTATE 2010

Michel inizia a lavorare in film di animazione, realizzando trenta cortometraggi e alcune serie di episodi per la televisione e il cinema. Viene premiato con numerosi premi nei festival internazionali più importanti, tra cui il 'Cesar' a Parigi, il 'Bafta' a Londra ed altri ancora. Nel 1994 è eletto presidente della 'Asifa' (Associazione Internazionale dei Film di Animazione). Nel 1998 realizza 'Kirikù e la strega Karabà', il suo primo lungometraggio di animazione. Nel 1999 è la volta di 'Principi e principesse', dove Ocelot si serve soltanto di ombre cinesi realizzate con la carta ritagliata e di una macchina da presa 16mm, senza aiuto del computer e con il doppiaggio dell'attrice comica Anna Marchesini. Ha realizzato il sequel del piccolo eroe Kirikù, dal titolo "Kirikù e gli animali selvaggi" (2005) e infine ha lavorato al film d'animazione "Azur e Asmar" presentato a Cannes e alla I Edizione del Cinema di Roma nella sezione 'K12'. 

 FILMOGRAFIA

Cortometraggi
* 1976 - Les Aventures de Gédéon
* 1979 - Les Trois Inventeurs; premio BAFTA
* 1981 - Les filles de l'égalité; premio speciale della giuria al Festival d'Albi
* 1982 - Beyond Oil
* 1982 - La légende du pauvre bossu
* 1986 - La princesse insensible
* 1987 - Les Quatre Vœux
* 1989 - Ciné Si
* 1992 - Les Contes de la nuit

Lungometraggio
* 1998 - Kirikù e la strega Karabà
* 2000 - Principi e principesse (film ad episodi)
* 2005 - Kirikù e gli animali selvaggi
* 2006 - Azur e Asmar

 Altro
* 2007 - Earth Intruders (videoclip per la cantante Björk)

Amen, Sydney Poitier

FILM: Lilies of the Field, Ralph Nelson, 1963

Ipse Dixit: Tacito

Dove fanno il deserto, dicono che è la pace.