El Hermitage de San Petersburgo bate su record con obras del Museo del Prado

Durero, Tiziano, Rubens, Murillo, Velázquez... Todos los grandes pintores que trabajaron para la Corona de España estuvieron representados en la muestra que, por primera vez en la Historia, llevó fuera del Museo del Prado 66 de sus obras más valiosas. El Museo del Hermitage superó así su propio record de visitas a una exposición, con más de 630.000 entradas en sólo tres meses. La muestra temporal más vista en la historia de San Petersburgo tenía la misión de celebrar la amistad entre dos potencias con grandes coincidencias en el pasado, y el Museo del Hermitage era el escenario perfecto, como puso de manifiesto el Rey Juan Carlos I durante la ceremonia de apertura. Igual que El Prado, fue construido a expensas de la Corona para exponer las colecciones reales, y ahora guarda la herencia cultural de sucesivas generaciones de reyes ilustrados.

El Hermitage corresponderá a la generosa colaboración de España con otra gran exposición que se celebrará en Madrid a partir de noviembre con casi 200 de sus mejores obras.

Seya House by Suppose Design Office

Completed just last month, Seya House is a gorgeous residence that rethinks the boundaries between yard and home.

Taking advantage of materials, Makoto Tanijiri of Suppose Design Office creates a gentle transition between the driveway and entrance. The entrance itself is an extension of the home and it’s unclear, until you remove your shoes and ascend upon those sexy cantilever stairs, exactly what part of the home you are in.



I’ve been seeing it used in a lot of homes recently, but I love the unfinished feel that the exposed plywood brings to the home, and the contrast it provides against the concrete. It’s as if the architects started with a yard and designed a home around it.
source: Suppose Design Office website

via spoon&tamago

Arte Contemporaneo Mexicano al MIN

20 mayo-21 agosto

Museo para la Identidad Nacional, Tegucigalpa

Tres décadas del arte de la estampa en México.

De los archivos Kyron 1972-2004

El Museo para la Identidad Nacional presenta una serie de 60 obras trabajadas por los artistas de la mano con el taller Kyron en la ciudad de México entre 1972 y 2004 y que resume lo mejor del arte mexicano durante la segunda mitad del Siglo XX. KYRON es un taller de litografía establecido en la ciudad de México en 1972  por Andrew Vlady y Beatriz S. de Vlady. Durante más de treinta años, bajo la dirección estética del maestro litógrafo Andrew Vlady, Kyron acogió con beneplácito a algunos de los artistas más destacados de México y América Latina así como a artistas emergentes, muchos de los cuales regresaron a lo largo de los años para producir obras que representan un significativo desarrollo creativo y variación temática. La visión de Andrew Vlady para el taller de Kyron desde el principio fue permitir una amplia comunidad de creadores visuales para mantener y continuar con la larga tradición del arte de la estampa en México.

La exposición se compone de 60 obras de 17 artistas que trabajaron en Kyron, incluyendo Leonora Carrington, Alfredo Castañeda, Alejandro Colunga, Francisco Corzas, José Luis Cuevas, Mario Martín del Campo, Maximino Javier, Armando Morales, Rufino Tamayo, Roger von Gunten, Rodolfo Nieto, Francisco Toledo, Fernando García Ponce, Lucia Maya, Alfredo Sosabravo, Remigio Valdés de Hoyos y Francisco Zúñiga. Los temas y estilos de las obras son tan excepcionales como los artistas que las crearon, con solamente dos constantes: el taller Kyron, lugar en que fueron originadas, y el medio primario de su creación: la litografía en piedra.

Una exposición independiente, Estampas Mexicanas: de los Archivos Kyron 1972-2004, está viajando actualmente por el mundo bajo los auspicios de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México. Hasta la fecha se ha presentado en Lucknow, Nueva Delhi, El Cairo, París, Roma y Atenas.

MIN honduras

The hat killer/Hair cuts

The City: Fear and Desire. Los Angeles,1968, Antonello Branca

Speech Matters

Freedom of speech is one of the key issues in the current public debate and one that is becoming increasingly contested, given the steady erosion of civil liberties in many countries today. Denmark has always been at the forefront of the public debate on issues in relation to freedom of speech, but it has also suffered the so-called "trauma of free speech".

This makes the Danish Pavilion an appropriate vehicle from which to visualise and discuss these issues. Freedom of speech is highly relevant in relation to much of what is happening in the world politically today; from press intimidation and censorship, to restrictions on the internet, as well as debates on the limits of freedom of speech, increased surveillance and forms of control. The issue of freedom of speech is highly complex, often subjective - even relative - and invariably debatable. The boundaries surrounding it cannot easily be delineated.

The exhibition Speech Matters aims to provoke a considered debate and to complicate the issue of freedom of speech, highlighting the intricacies, ambiguities and grey areas inherent to the subject, and emphasizing the fact that freedom of speech cannot be exercised or applied in any programmatic or strictly proscribed manner. Finally, the exhibition also touches on the essence of visual artistic practice, which fundamentally entails conditions of freedom of expression. Eighteen artists from ten countries have been invited to participate. The majority will be producing new work for the exhibition.

The exhibition is curated by Katerina Gregos.

 danish pavilion

Beatbox

Beatboxing is a form of vocal percussion which primarily involves the art of producing drum beats, rhythm, and musical sounds using one's mouth, lips, tongue and voice. It may also involve singing, vocal imitation of turntablism, the simulation of horns, strings, and other musical instruments. Beatboxing today is connected with hip hop culture, being one of "the elements", although it is not limited to hip hop music.
The term "beatboxing" is sometimes used to refer to vocal percussion in general (see vocal percussion for details).

Beim Beatboxing oder Beatboxen werden Drumcomputerbeats – zuweilen auch Scratches oder Schlagzeug- und andere Perkussionsrhythmen, seltener auch weitere Instrumente und andere Klänge – mit dem Mund, der Nase und dem Rachen imitiert. Anders als herkömmlicher Gesang erfüllt Beatboxing in der Regel musikalische Funktionen, die mit denen von Rhythmus- oder Effektinstrumenten vergleichbar sind. Die Kunstform, und manchmal der ausführende Musiker, werden auch als Human Beatbox (veraltete Schreibweise: Human Beat Box) bezeichnet. Beatboxing wird oft mit Vocal Percussion gleichgesetzt, bezeichnet aber genau genommen nur eine spezielle, im Hip-Hop entwickelte Form dieser.

Equis House in Cañete, Peru by Barclay & Crousse Arquitectura

Equis House is based in the city of Cañete, Peru. The architects Barclay & Crousse have sought to create the necessary intimacy to live in the desert and to ‘domesticate’ it without denying or betraying its characteristics.

We started by conceiving a pure solid which would appear to have always been there. During the design process, we “excavated” this theoretical solid, removing matter bit-by-bit, just as archaeologists would remove sand to discover the pre-Columbian ruins in this region. The resulting exterior spaces merge with interior spaces in a continuous fluid space within an enclosure that pushes the ambiguity between interior and exterior spaces to its limits.

via cubeme.com

Matisse Paysage maroccain avec cavalier, croquis de “Les Acanthes”

Introduzione:

Henri Matisse nel 1911 si recherà in Marocco spinto da una duplice motivazione: da una parte, la curiosità verso il paese islamico, dettata dalle affascinanti reminescenze evocate dalle parole e dalle tele di Delacroix(1) e dalle descrizioni nel romanzo Au Maroc di Pierre Loti(2), dall’altra invece, motivato da alcuni precedenti incontri con questa cultura da lui vissuti in prima persona, come la visita dell’Alhambra di Granada durante un viaggio in Spagna del 1910(3), la visita dell’esposizione d’arte islamica a Monaco dello stesso anno e l’interesse riscontrato nelle icone studiate a Mosca(4). Si ricordi inoltre che esposizioni d’arte musulmana ebbero luogo a Parigi nel 1893 al Palais de l’Industrie, nel 1894 al Palais de l’Elysèe e nel 1903 al Pavillon de Marsan(5). Infine fu di certo fondamentale il consiglio di colleghi e amici a lui molto vicini come Albert Marquet, che, proprio nel 1911, aveva trascorso due mesi nello stesso paese, intrattenendo una fitta corrispondenza con Matisse, il quale rimase estremamente affascinato dalle parole e dai lavori scaturiti dal viaggio dell’amico, tanto da convincersi una volta per tutte ad un suo prossimo trasferimento nel paese islamico.

Nell’inverno a cavallo fra il 1911 e il 1912(6) Matisse decide dunque di andare in Marocco; vi resterà fino a primavera quando tornerà per l’estate in Francia, ad Issy-les-Moulineaux. Il secondo viaggio(7) in Marocco inizierà il 30 settembre dello stesso anno(8) e vi resterà fino all’anno successivo, quando abbandonerà definitivamente il paese(9).
Sono, questi, anni in cui Matisse si sente pronto per nuove sfide, parte alla volta di Tangeri, intenzionato ad approfondire un tema fino ad allora lasciato in secondo piano: la rappresentazione del paesaggio(10). “The trips to Morocco helped me to accomplish the necessary transition and enabled me to renew closer contact with nature than the application of a living but somewhat limited theory such as Fauvism had turned in to had made it possible”(11). Matisse nel primo viaggio in Marocco si dedicò principalmente alla produzione di paesaggi, non per il loro aspetto pittoresco, ma per la luce che essi emanavano: “When it became clare to me that I would see this light every morning, I could not belive my bliss”(12). Il primo impatto dell’artista col Marocco di certo non fu dei migliori, lo accolsero più di quindici giorni di piogge incessanti che provarono il morale e la pazienza del pittore, stato d’animo testimoniato dalla fitta rete di corrispondenza che l’artista intrattenne con familiari e amici(13). È interessante notare come Matisse, una volta acquisita sicurezza nel proprio ruolo di artista, non abbia mai smesso di parlare della propria arte; in questo viaggio marocchino sono proprio le lettere private, spesso accompagnate da schizzi o spiegazioni dettagliate del proprio operato, la nostra più preziosa fonte.
“Solo con lentezza giunsi a scoprire il segreto della mia arte. Consiste nel meditare in contatto con la natura, per esprimere un sogno sempre ispirato alla realtà. Con maggiore accanimento e regolarità, imparai a spingere ogni mio studio in un certo senso”(14). Al ritorno in Francia Matisse ebbe la sua consacrazione con la ‘Exposition Henri-Matisse. Tableaux du Maroc et sculture’ presso la Galleria Bernheim-Jeune (14-19 aprile 191315)Nello stesso anno, inoltre, parteciperà all’ Armory Show negli Stati Uniti.
Nel 1913, a Parigi, l’avanguardia del momento era certamente il cubismo. Matisse, sempre curioso verso il contesto artistico che lo circondava, instaurò un intenso dialogo con Picasso che ebbe la sua acme fra gli anni 1913 e 1916. Molti studiosi, come Cowart, vedono una vera e propria ‘fase cubista’ di Matisse(16), è più prudente parlare di una forte vicinanza di idee e ricerche, senza azzardare definizioni troppo compromettenti(17) né dare adito alle voci che vogliono rappresentare Matisse e Picasso come romantici eroi che si combatterono nel nome della supremazia assoluta sull’arte contemporanea(18). Il 3 agosto del 1914 viene annunciata l’entrata in guerra della Francia, Matisse si trova a Parigi, tenta di arruolarsi volontario, ma gli viene proibito. Questo fatto lo rattrista molto ed in lui scaturisce una sensazione di impotenza, che cercherà di combattere provando a rendersi utile attivamente aiutando, ad esempio, i propri compatrioti in difficoltà mediante l’invio di viveri e soldi ricavati dalla vendita di alcuni suoi lavori(19). Si trasferisce con la famiglia a Collioure dove, fra gli altri, entra in contatto con Juan Gris, uno fra i massimi esponenti del cubismo in quel momento. Nel dicembre del 1917 si trasferisce a Nizza, dove continuerà la ricerca attraverso la luce del Mediterraneo.

Hacked Typewriter

Graphic designer Paul Bailey is a recent graduate of Kingston University in London and his portfolio is filled with lots of fun projects including beautifully designed infographics, these fun biscuit stamps, and even an idea for a tribute bell installed outside recently closed pubs. Most interesting to me though was his hacked typewriter. Beginning with the statement, “the beauty of the typewriter is that, unlike its modern counterpart, it cannot be hacked” (which I couldn’t locate a source, but sure, I’ll roll with it) he set out to redefine the fundamental mechanics of the typewriter resulting in a new interpretation of its core function. Is it useful? Not really. But I find the idea of hacking non-electronic devices to create bizarre new machines really intriguing.

via this is colossal

The Milano Thing

The Milano Thing is an independent publication featuring the most insipirational projects from the Milan Design Week 2011. It’s a 48 pages magazine translated both in italian and english.
It deals with the best design schools and the new trends, reflects on the revival of craftsmanship and the process of making, tells you Milanese stories, and much more: Interviews and fresh insights, covering both high-end furniture and indipendent productions…
via Manystuff