martedì 30 marzo 2010

Premio Pritzker per l’Architettura 2010: Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA

L’edizione 2010 del Premio Pritzker per l’Architettura è andata algli architetti giapponesi Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa dello Studio Sanaa.



¿Qué significa para nosotros hoy la restauración en el mundo?

En 1963 fue publicada la primera edición de la Teoría de la Restauración de Cesare Brandi que abordaba numerosos aspectos éticos de la restauración en defensa de la autenticidad de la obra de arte, tanto en el plano histórico como en el estético. El concepto de restauración que se expresaba en el texto es el siguiente: la restauración constituye el momento metodológico del reconoscimiento de la obra de arte, en su consistencia física y en su doble polaridad estética e histórica, en vista de su trasmisión al futuro.

La teoría de la restauración de Brandi influyó fuertemente el entero panorama internacional y sigue siendo hoy en día, un texto fundamental de referencia. Este texto ha influido en la Carta de Venecia del 1964 y la posterior Carta de Restauración italiana de 1972.

En el 1959 se creó en Roma bajo el alto patrocinio de la UNESCO, el ICCROM, el International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of the Cultural Property..

A partir de 1962 en Bruselas en Bélgica el Institut Royal du Patrimoine Artistique empezaba la actividad de formación de los restauradores especializados en el sector de la pintura. Los restauradores de Bélgica, muy cercanos al enfoque metodológico italiano, llevaron en América Latina métodos y conceptos de restauración italiano, como por ejemplo la integración la laguna con el rigattino o tratteggio. Aún en Peù se recuerda que fue un experto de Bélgica a enseñar este método de origen italiana.

L’éclairage de La Belle et la Bête par Alekan, 1946

L’éclairagiste Henri Alekan, né à Paris en 1909, fait partie de la génération qui débuta avec le cinéma parlant. Il entre dans l’histoire du cinéma notamment avec le film La Belle et la Bête, de Jean Cocteau tourné en 1946, film qui est un exemple emblématique de la conception de la lumière de son époque. Dans son texte « Des lumières et des ombres », Alekan étale l’idée selon laquelle la lumière crée un espace, une architecture qui se compose de clarté et de ténèbres et qui vit grâce au jeu qui s’installe parmi les deux composantes. Cette architecture traduit l’image en volumes et « zones d’attraction et de répulsion grâce au jeu de l’alternance des clairs et des sombres » Celui-ci est le moyen par lequel le regard du spectateur est naturellement guidé à aller ou à s’éloigner de certains point visuels, à suivre un parcours de l’image.
La Belle et La Bête de Jean Cocteau s’inspire fortement à des repères de type pictural et graphique (Cocteau avait demandé à Alekan de s’inspirer aux gravures des Contes de Georges Périnal et aux gravures de Gustave Doré). La valeur de l’image est calculée en termes de densité de la lumière et non par surface éclairée. Le but n’est pas donc une vision qui se définie par volumes architecturaux ou par définition d’espaces réels et objectifs, mais, selon la sensibilité de la pellicule, par le contraste d’ombre et lumière et par l’intensité de cette dernière.

lunedì 29 marzo 2010

Web Gallery of Art

http://www.wga.hu
The Web Gallery of Art is a virtual museum and searchable database of European painting and sculpture of the Romanesque, Gothic, Renaissance, Baroque, Neoclassicism, Romanticism periods (1000-1850), currently containing over 24.000 reproductions. Picture commentaries, artist biographies are available. Guided tours, period music, catalogue, free postcard and other services are provided.

Camera Obscura: matin, Montréal, Québec

¿Qué significa para nosotros hoy la restauración en el mundo?


La necesidad de realizar una estructura pública de investigación y de referencia para la entera nación, expresada en el proyecto de G. C. Argan, derivaba de la urgencia de reconducir el ámbito de la restauración a un terreno metodológico multidisciplinario, en el que resultasen fundamentales las disciplinas históricas, invirtiendo en este modo la tendencia cada vez más fuerte de los años 30, del monopolio de este sector por parte de las ciencias químico-físicas.
El proyecto de Argan tendía a restituir el equilibrio justo al rol de las ciencias y de las disciplinas relacionadas a la restauración y de las figuras profesionales que concurren al intervención. La restauración se convertía un procedimiento con una acción crítica que podía ser realizada únicamente dentro de un grupo multidisciplinario. Histórico, científico y restaurador tenían funciones separadas e influencia diferente dentro del grupo mas debían trabajar conjuntamente para el logro del objetivo. La coordinación metodológica del grupo era confiada al histórico de arte.
En el transcurso de la intervención de restauración se efectuaba una lectura crítica de la obra de arte .
Dicho modelo constituye aún hoy una referencia fundamental en el panorama internacional. El Instituto Central de la Restauración de Roma fue realizado en el 1941 por César Brandi, su primer Director hasta el 1960.



Domenica delle Palme

Giotto, 1304-06, Cappella degli Scrovegni, Padova

sabato 27 marzo 2010

Arcadia: Paesaggio

Jan Frans Van Bloemen
(Anversa 1662 - Roma 1749)

Conosciuto con il soprannome "Orizzonte", pittore fiammingo, si specializzò in paesaggi italiani ed in particolar modo della campagna romana. L’orizzonte e l’ultimo piano sono caratteristiche importanti nei suoi paesaggi, da qui il suo pseudonimo.

Rubikon 2

By Jaroslav Jurica.
Bastano forbici, colla, voglia di fotografare in grande  e
Ouh là là! Done!





Per scaricare il formato pdf: hubero kororo

L’Età della Conquista: Il fascino dell’arte greca a Roma

13 Marzo - 5 Settembre 2010, Palazzo Caffarelli
Il progetto quinquennale “I Giorni di Roma” si apre con una grande mostra di capolavori dell’arte antica provenienti dai maggiori Musei europei, databili nel periodo successivo alle campagne di conquista in Grecia (dalla fine del III secolo alla seconda metà del I secolo a.C.), uno dei momenti fondamentali per la futura identità culturale e artistica romana, non solo dell’età repubblicana.
L’Età della conquista parte dal momento di formazione dell’Impero romano, quando Roma espande progressivamente il proprio controllo su tutto il bacino del Mediterraneo, dalla Spagna alle coste dell’Asia Minore. In questo periodo si assiste alla formazione di un linguaggio figurativo squisitamente romano, che fa tesoro di tutta la cultura artistica greca, che nel tempo viene recepita, assorbita e modificata. E’ questo il periodo in cui l’élite al potere avverte, con sempre maggior consapevolezza, il consolidarsi del proprio prestigio e lo esprime attraverso l’arte.

-1 Elezioni - Cantinflas, Si Yo Fuera Diputado

venerdì 26 marzo 2010

One-color New York Subway map

Arcadia

Arcadia ((EL) Ἀρκαδία) è una moderna provincia greca, vista però nel corso della storia della letteratura come un mondo idilliaco. Si presenta infatti come una regione montuosa, inabitata per via della sua topografia: prevalentemente occupata da pastori, ha assunto nella poesia e nella mitologia i connotati di sogno idilliaco, in cui non era necessario lavorare la terra per sostenersi, perché la natura provvedeva già a donare all'uomo il necessario per vivere.

-2. Elezioni - Affari e Piacere in politica


Start the Revolution Without Me, 1970

giovedì 25 marzo 2010

L'Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro

ex Istituto Centrale per il Restauro istituito con Decreto del Presidente della Repubblica del 26 novembre 2007, n. 233, capo III, Art. 15, comma 3, lettera g, è un organo tecnico dotato di autonomia speciale del Ministero per i Beni e le Attività Culturali ed è specializzato nel campo del restauro e della conservazione del patrimonio culturale. L’Istituto è stato fondato nel 1939, su progetto di Giulio Carlo Argan e Cesare Brandi per rispondere all’esigenza di impostare l’attività di restauro su basi scientifiche e di unificare le metodologie di intervento sulle opere d’arte e i reperti archeologici. Il suo primo direttore è stato Cesare Brandi. Presso l’Istituto è attiva una Scuola di Alta Formazione per l’insegnamento del restauro (D.Lgs. 156/2006, art.29, comma 9).

Restauro fatto a pezzi

Restauro fatto a pezzi

A partire dal prossimo 25 marzo l’Ufficiale Giudiziario potrà sigillare la Sede storica dell’Istituto Centrale del Restauro (ora Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro), seppellendo così 70 anni di storia del restauro dell’Italia e del mondo.
In compenso il Ministero per i Beni e le Attività Culturali risparmierà 120.000 euro annui di affitto: di fronte ai quali contano poco o niente l’attività finora svolta a favore della tutela del Patrimonio Culturale e non solo del nostro Paese – Assisi, il Marco Aurelio, il Cenacolo, la Cappella Scrovegni, Palazzo Te, la Camera degli Sposi, la Torre di Pisa o i restauri in Cina, Iraq, Afghanistan, ex Jugoslavia, India – la formazione di centinaia di veri restauratori italiani e stranieri, l’impegno civile (e non solo culturale) del personale e dei suoi direttori, a cominciare da Cesare Brandi e Giovanni Urbani.

Aiap Cinema: La grafica per immagini


In Galleria AIAP dal 24 marzo all'8 giugno

“Aiap cinema, la grafica per immagini” si inaugurerà mercoledì 24 marzo alle h. 20.00 presso la Galleria Aiap con  “Armando Testa, povero ma moderno”,  il documentario di Pappi Corsicato premiato a Venezia nella sezione "Orizzonti" con il riconoscimento al regista del "Premio Pasinetti". 
Dopo la proiezione seguirà un dibattito tra Mario Piazza e Pappi Corsicato, il regista presente in sala. 
Il ciclo di proiezioni, a cura di Francesco E. Guida (Consigliere Nazionale Aiap e ricercatore al Politecnico di Milano) e Lorenzo Grazzani (Responsabile operativo del Centro di Documentazione sul Progetto Grafico di Aiap) verte su una serie di film che raccontano la grafica e i suoi protagonisti. 

Camera Obscura: Maison rouge au Québec

Simone Martini, via crucis (particolare)

mercoledì 24 marzo 2010

Sabato 27 e domenica 28 marzo: Apertura straordinaria di 590 monumenti in tutta Italia

XVIII edizione Giornata FAI di Primavera
"È l’appuntamento che da diciotto anni ormai gli italiani si danno all’inizio della primavera. Un appuntamento con le bellezze del nostro Paese, che si trasforma ogni volta in una profonda e collettiva manifestazione d’affetto, di orgoglio e di identità nazionale. Sabato 27 e domenica 28 marzo si svolge contemporaneamente in tutte le regioni italiane la 18a edizione della Giornata FAI di Primavera." Visita a Contributo Libero: http://www.giornatafai.it/home.htm

martedì 23 marzo 2010

La Zingara addormentata


La Zingara addormentata è un dipinto del 1897 del pittore Henri Rousseau (Laval, 21 maggio 1844 – Parigi, 2 settembre 1910).
Nel quadro viene rappresentata una zingara che dorme al chiaro della luna, mentre un leone, animale feroce, si avvicina incuriosito. Il colore del cielo notturno e la sua fissità prendono leggermente movimento sulle righe dipinte sull’abito della zingara e il chiaro della luna e una possibile melodia sconosciuta, accompagnano silenziosamente il sonno della donna.
Silenzio, pace dominano il dipinto a tal punto da potersi immedesimare nei due protagonisti:
- “ero quella zingara e non temevo il leone” perché c’é qualcosa che ferma la violenza, che ti fa credere fortemente che il debole vince il forte;
- “ero quel leone e ho sentito di voler proteggere quella zingara” perché ciò che è diverso, nuovo dá la forza per continuare a conocere e a interessarsi alla relatá circostante.
La zingara é questa identitá diversa, una novita, é lo straniero che si presenta alle culture e alle civiltá piú potenti, le quali solo amandone la diversitá, si asterebbero dal disprezzarle e dal distruggerle.
Il feroce leone é il potente che, non aggredendo la zingara, riconosce il valore dell’altro diverso da sé e incontrato, rendendo, per l’uomo, ogni incontro uno strumento di possibilitá, di servizievolitá e speranza.

Dormi, dormi nera fanciulla.
Sogna il tuo mondo incantato
la luna ti osserva e ti culla
Una belva al tuo fianco
veglia il tuo sonno fatato.
Dormi, dormi, nera bambina
Sogna…… la felicità è vicina.

-5. Elezioni (Tucidide, La guerra del Peloponneso)

Tucidide, La guerra del Peloponneso, Libro Secondo (400 A.C)
37. "Il nostro ordine politico non si modella sulle costituzioni straniere. Siamo noi d'esempio ad altri, piuttosto che imitatori. E il nome che gli conviene è democrazia, governo nel pugno non di pochi, ma della cerchia più ampia di cittadini: vige anzi per tutti, da una parte, di fronte alle leggi, l'assoluta equità di diritti nelle vicende dell'esistenza privata; ma dall'altra si costituisce una scala di valori fondata sulla stima che ciascuno sa suscitarsi intorno, per cui, eccellendo in un determinato campo, può conseguire un incarico pubblico, in virtù delle sue capacità reali, più che nell'appartenenza a questa o a quella fazione politica. Di contro, se si considera il caso di un cittadino povero, ma capace di operare un ufficio utile allo Stato, non gli sarà d'impedimento la modestia della sua condizione. Nella nostra città, non solo le relazioni pubbliche s'intessono in libertà e scioltezza, ma anche riguardo a quel clima di guardinga, ombrosa diffidenza che di solito impronta i comuni e quotidiani rapporti, non si va in collera con il vicino, se fa un gesto un po' a suo talento, e non lo si annoia con visi duri, sguardi lividi, che senza voler esser un castigo, riescono pur sempre molesti. La tollerante urbanità che ispira i contatti tra persona e persona diviene, nella sfera della vita pubblica, condotta di rigorosa aderenza alle norme civili dettata da un profondo, devoto rispetto: seguiamo le autorità di volta in volta al governo, ma principalmente le leggi e più tra esse quante tutelano le vittime dell'ingiustizia e quelle che, sebbene non scritte, sanciscono per chi le oltraggia un'indiscutibile condanna: il disonore.

CR April issue: redesign

Creative Review has been redesigned with a new size, new paper,
new typography and, yes, a new logo


¿Qué significa para nosotros hoy la restauración en el mundo?

Durante los primeros treinta años del siglo XX vinieron creados y se desarrollaron en toda Europa Talleres científicos y de restauración, vinculados a museos o independientes. En general en toda Europa y particularmente en Italia, el papel de los científicos en materia de conocimiento de las obras de arte antiguas y por lo tanto de su restauración, se convertía cada vez mas fuerte.  Alrededor del año 1930 en Italia estaba nacían numerosos talleres y escuelas privadas de restauración en las cuales la restauración era vista como una actividad predominantemente científica y técnico-artística.  La preparación en las disciplinas históricas era ignorada.
Siempre en el 1930 a Roma se realizaba la “Conferencia Internacional para el estudio de los métodos científicos aplicados al examen y a la conservación de las obras de arte”.
El debate sobre la restauración era intenso. Tuvieron un importante papel los arquitectos restauradores de monumentos que se reuniran en Atenas en 1931, ocasión en la cual fue redactada la Carta de Atenas que definía por primera vez los principios y los criterios éticos de la restauración.

Addio a Emanuele Pirella, Una vita tra satira e pubblicità

ROMA - E' morto Emanuele Pirella, veterano della pubblicità italiana e guru della creatività, nonché fondatore e presidente dell'agenzia pubblicitaria Lowe Pirella e della "Scuola di Emanuele Pirella". Originario di Reggio Emilia, dove nacque nel 1940, Pirella è stato grande pubblicitario, giornalista e autore di satira, in coppia con il disegnatore Tullio Pericoli. In campo pubblicitario fu autore di celebri campagne, come quella per la banana Chiquita il cui slogan, "Dieci e lode", entrò nella storia della pubblicità italiana. Sempre con Pericoli, fu co-autore della strip del sabato de La Repubblica: "Tutti da Fulvia sabato sera".

Kurosawa, cento anni dell'Imperatore

domenica 21 marzo 2010

Camera Obscura: Termini

Christ dans la banlieue, Georges Rouault

"Rouault si oppone a quasi tutti i pittori del proprio tempo. Non si aspetta dai colori un equilibrio, ma un significato, la sua arte non si esprime in funzione della parola bello, ma della parola essere. E come Michelangelo elevava contro la rivendicazione della polvere dei morti, le figure sovrumane delle sibille, così Rouault si sforza di elevare contro di essa, la contemplazione della bassezza umana e della carità del Cristo". André Malraux

-7. Elezioni

venerdì 19 marzo 2010

14 votanti, i risultati del sondaggio


Arte
  4 (28%)
 
Fotografia
  6 (42%)
 
Grafica e Design
  5 (35%)
 
Letteratura
  5 (35%)
 
Teatro
  5 (35%)
 
Cinema
  5 (35%)
 
Architettura
  4 (28%)
 
Non ho voglia di uscire
  1 (7%)
 

-9. Elezioni

(Mali) 1236, Carta di Kurukan Fouga
I rappresentanti degli antichi Mandè e i loro alleati, riunitisi nel 1236 a Kurukan Fouga dopo la storica battaglia di Kirina, hanno adottato la seguente carta per gestire la vita della grande assemblea mandinga.

I – SULL’ORGANIZZAZIONE SOCIALE:
1: La società del gran mandè è suddivisa in 16 portatori di faretra, 5 classi marabù, 4 classi di nyamakalas. Ciascun gruppo ha una sua attività e un ruolo specifico.
2: I nyamakalas si impegnano a dire la verità ai Capi, di essere i loro consiglieri e di difendere attraverso il modo di parlare le regole definite e l’ordine sull’insieme del regno.
3: I morikanda lolu (le cinque classi di marabù) sono i nostri Capi e maestri nell’Islam. Tutto il mondo deve loro rispetto e considerazione. 
4: La società è divisa in classi di età. A capo di ciascuna di essa è eletto un Capo. Appartengono alla stessa classe di età le persone (uomini o donne) nate nel corso di tre anni consecutivi. I Kangbès (classe intermedia tra giovani e anziani), devono essere invitati a partecipare quando devono essere prese decisioni importanti che riguardano la società.

giovedì 18 marzo 2010

The City of Japan Time Lapse 微速度撮影 HD 1270×720P


N.D.R. ...da vedere in HD e a schermo pieno

¿Qué significa para nosotros hoy la restauración en el mundo?


La restauración se autorizaba sólo en circunstancias excepcionales y se comenzaba a temer las intervenciones mal ejecutadas por parte de restauradores incapaces.

En el 1767 Pietro Edwards, un pintor de descendencia inglesa, desempeñó el papel de inspector, creó un Taller de restauración público y definió las primeras normas modernas de la restauración, tomando en cuenta todos los distintos aspectos: las modalidades para la definición del estado de conservación, los gastos de las intervenciones, los procedimientos para la documentación científica y correcta de las intervenciones. En el 1785 Pietro Edwards además escribía el Plan práctico para general Custodia de las públicas pinturas, primer documento que contiene criterios modernos de la conservación preventiva y en el cual se describían de forma clara:
las causas del deterioro de las obras de arte;
las especiales condiciones climáticas de Venecia;
las características no aptas de los edificios.

En el año 1820 Edwards escribe finalmente un proyecto para la creación de una Pública Escuela de restauración de la pintura . En el documento se definen con mucha precisión los criterios a seguir para la formación de los restauradores. Están previstos enseñanzas teóricas y ejercicios prácticos.

Con Edwards el restaurador se separaba definitivamente del artista y la restauración convertíase en una disciplina autónoma.

Las ideas de Edwards contribuyeron a las innovaciones que fueron elaboradas en el curso del siglo XIX en el ámbito de la restauración de monumentos y que influenzarono la Carta de Atenas en 1931.
En el siglo XIX creció considerablemente la literatura específica sobre restauración. En Europa durante todo el siglo la formación de los restauradores continuaba a ser realizada en la forma de aprendizaje en atelier (laboratorio o taller). Muy a menudo la profesión era transmitida de padre a hijo. La transmisión del saber era todavía limitada y el “Secreto de Taller” limitaba la difusión.

En siglo XIX se sentía cada vez mas en Europa la necesidad de una escuela de restauración.

En 1866 en Italia Giovanni Secco Suardo públicó el Manual del restaurador de la pintura en el que definía con precisión la preparación que el restaurador debía poseer y la necesita que fuesen enseñadas asignaturas de química y de mecánica.

En el siglo XIX los científicos ya se ocupaban de las obras de arte. Médicos y criminologos utilizando el método experimental de las disciplinas deductivas, ejecutaban investigaciones diagnósticas sobre importantes obras de arte con el objetivo fundamental de verificar su atribución.

Estratti: Siamo tutti in pericolo / intervista di Furio Colombo a Pier Paolo Pasolini

L’Unità 1 novembre 1975 (Il giorno dopo, domenica, il corpo senza vita di Pier Paolo Pasolini era all’obitorio della polizia di Roma)

Pasolini, tu hai dato nei tuoi articoli e nei tuoi scritti, molte versioni di ciò che detesti. Hai aperto una lotta, da solo, contro tante cose, istituzioni, persuasioni, persone, poteri. Per rendere meno complicato il discorso io dirò "la situazione", e tu sai che intendo parlare della scena contro cui, in generale ti batti. Ora ti faccio questa obiezione. La "situazione" con tutti i mali che tu dici, contiene tutto ciò che ti consente di essere Pasolini. Voglio dire: tuo è il merito e il talento. Ma gli strumenti? (…)
(….) In grande l’esempio ce lo dà la storia. Il rifiuto è sempre stato un gesto essenziale. I santi, gli eremiti, ma anche gli intellettuali. I pochi che hanno fatto la storia sono quelli che hanno detto di no, mica i cortigiani e gli assistenti dei cardinali. Il rifiuto per funzionare deve essere grande, non piccolo, totale, non su questo o quel punto, "assurdo" non di buon senso.

Che cos’è il potere, secondo te, dove è, dove sta, come lo stani?
Il potere è un sistema di educazione che ci divide in soggiogati e soggiogatori. Ma attento. Uno stesso sistema educativo che ci forma tutti, dalle cosiddette classi dirigenti, giù fino ai poveri. Ecco perché tutti vogliono le stesse cose e si comportano nello stesso modo. Se ho tra le mani un consiglio di amministrazione o una manovra di Borsa uso quella. Altrimenti una spranga. E quando uso una spranga faccio la mia violenza per ottenere ciò che voglio. Perché lo voglio? Perché mi hanno detto che è una virtù volerlo. Io esercito il mio diritto-virtù. Sono assassino e sono buono.

Renzo Piano building workshop, répons

«Exposition. A Bordeaux, une présentation chorale de maquettes anciennes et de documentaires récents retrace le parcours du célèbre architecte italien. (…) Renzo Piano aime rappeler la réaction du cinéaste italien Roberto Rossellini visitant Beaubourg : « Ce n’est pas le bâtiment qu’il faut regarder, mais le visage des gens qui regardent le bâtiment ». Cette phrase peut servir d’exergue à l’expo bordelaise qu’Arc-en-Rêve consacre à ce concepteur né à Gênes en 1937. (…) Michel Jacques et Sophie Trelcat, commissaires de cet atelier montrent son travail autrementdu point de vue des usagers. En s’appuyant sur l maîtrise d’usage, valeur que Piano a expérimenté en 1979 en Italie, à Otrante, avec les habitants. (…) La visite s’organise autour de maquettes de quatorze projet, du Centre Pompidou, élevé avec Rogers en 1977, à la Tour du New York Times à Manhattan.»
RENZO PIANO BUILDING WORKSHOP, RÉPONS
Arc-en-Rêve, 7, rue Ferrère, Bordeaux, jusqu’au 2 mai

Article de Anne-Marie Fèvre, paru sur Libération, mercredi 17 mars 2010

martedì 16 marzo 2010

Mefistofele, Arrigo Boito

« Mefistofele:
I - Ecco il mondo - vuoto e tondo
S'alza, scende - balza, splende
Fa carole - intorno al sole,
Trema, rugge - dà e disturgge .
Ora sterile, or fecondo
Ecco il mondo.
II - Sul suo grosso - antico dosso
V'è una schiatta - e sozza e matta,
Fiera, vile - ria sottile.
Che ad ogni ora - si divora
Dalla cima sino al fondo
Nel reo mondo.
III - Fola vana - è a lei Satàna
Riso e scherno - è a lei l'inferno
Scherno e riso - il Paradiso
Oh per Dio! - Che or rido anch'io
Nel pensar ciò che le ascondo...
Ecco il mondo. »

http://it.wikipedia.org/wiki/Mefistofele_(opera)
Scarica il Libretto d'Opera

-12. Elezioni

exposition Gosse de peintre à la Fondation Cartier

« …l’exposition Gosse de peintre est présentée du 11 mars au 12 septembre 2010. Avec des peintures, des vidéos, mais aussi des objets insolites, des décors, des machines fantasques et sensationnelles, Beat Takeshi Kitano conduit le visiteur de surprise en gag, de jeu en leçon de choses, se moquant de l’art contemporain, s’amusant avec l’histoire et les sciences et se jouant des clichés associés à son pays, le Japon. Cinéaste, acteur, animateur d’émissions télévisées, comique, peintre, écrivain, Takeshi Kitano, aussi connu sous le nom de Beat Takeshi, est un personnage hors du commun. (…)
Au fil d’un parcours semé d’étranges images, d’ateliers et de leçons de choses, de jeux et de gags, il entraîne le visiteur dans un univers aussi joyeux que riche et complexe. Son exposition permet de découvrir sa théorie sur la disparition des dinosaures, des exercices mathématiques, des métaphores scientifiques ou encore des documents et plans secrets de l’armée impériale japonaise. Des poissons transgéniques déjà garnis de délicieux sushi y croisent des chimères et animaux imaginaires tandis qu’un criminel récalcitrant échappe à la pendaison – clin d’œil grinçant au fait que la peine capitale existe encore au Japon. Véritable « usine à gaz », une gigantesque machine à coudre tourne à grand bruit pour confectionner un ruban dérisoire, se faisant ainsi la métaphore ironique de l’art contemporain. Le visiteur passe d’une attraction foraine à l’autre, du stand de gaufres au cabinet de curiosité sans oublier le théâtre de marionnettes, avant d’aller s’exercer à la peinture à travers des ateliers pour petits et grands. (….)
L’exposition Gosse de peintre présente aussi pour la première fois un large ensemble de peintures de Beat Takeshi Kitano. Prolifique dans sa production, Kitano se considère néanmoins comme un peintre du dimanche. Figuratifs, voire narratifs, ses tableaux récents – dont certains ont été produits pour l’exposition – semblent exploser de couleurs et ne sont pas sans rappeler l’art naïf. Durant sa convalescence suite à l’accident de moto qui faillit lui coûter la vie, Beat Takeshi Kitano a peint et réalisé notamment en 1996 une série de peintures troublantes représentant des créatures hybrides entre animaux et fleurs, qui sont présentées dans son film Hana-bi. Ces tableaux sont exposés avec un ensemble de vases qui s’inspirent de ces êtres étranges et ont été spécialement réalisés à Venise pour le projet. »

lunedì 15 marzo 2010

¿Qué significa para nosotros hoy la restauración en el mundo?

Les muestro como un ejemplo provocador la Venus de Milo.


Si la Venus de Milo pudíera hablar diría:
Ah, cómo eran bellos mis brazos, quiero un buen restaurador que los reconstruya como eran.
El límite de la restauración coincide por lo tanto, con el inicio de la fantasía

En el 1650 el Escultor Orfeo Borselli en su tratado “Observaciones sobre la escultura antigua” indica por primera vez la bibliografía que el aspirante a restaurador debe estudiar para poderse construir una sólida cultura. Sólo después de esta indispensable premisa Borselli describía cuidadosamente las metodologías para la restauración de las antiguas esculturas.

Se puede restaurar sólo la materia de la obra de arte como ha llegado hasta nosotros, no se debe intervenir alterando la autenticidad de la imagen.

En el 1681 Filippo Baldinucci afirmaba que restaurar significaba rehacer las partes rotas de un objeto que se teme perder a causa de su envejecimiento o de otras circunstancias .

 
En la segunda mitad del siglo XVIII el creador de la ciencia arqueológica moderna, el alemán Joseph Winckelmann, influyó con su enfoque histórico y filológico un gran restaurador italiano, Bartolomeo Cavaceppi.
La novedad producida de esta colaboración la encontramos en la afirmación de Cavaceppi:
Sería ridículo reconstruir una cabeza si se tiene a disposición sólo una nariz” .

Fundamental es también el pensamiento de Winckelmann: “En la escultura antigua la primera cosa necesaria para ejercer el sentimiento del bello es distinguir en una misma estatua la parte nueva de la antigua”
Se fundaba así el concepto moderno de restauración como acto crítico y Cavaceppi, primero entre todos, establecía las condiciones para dar autonomía a la profesión del restaurador.
Otra fase fundamental para el desarrollo moderno de la restauración se cumple a Venecia a partir siempre de la segunda mitad del siglo XVIII.
Nacía la figura del Inspector de las Públicas Pinturas, quien tenía la tarea de controlar el estado de conservación de las pinturas distribuidas por los distintos edificios históricos de propiedad pública. Nacía la organización estatal institucional de la protección y nacía con la contribución determinante de artistas y artesanos que paulatinamente habían desarrollado un pensamiento histórico-científico-metodológico, hasta transformandose en restauradores.

-13. Elezioni

no al terzo mandato
vota Burns

domenica 14 marzo 2010

Paris 26 Gigapixels - Visite virtuelle interactive des plus beaux monuments de Paris

Parigi: 2.346 scatti - 354.159 per 75.570 pixel.

È visibile online sul sito:







Racconto: il dandy e la bandiera

C’era una volta una cittadina, graziosa e tranquilla. Per amor del vero, il dandy del villaggio doveva ammettere che ormai essa era decisamente molto più tranquilla che graziosa.
Il dandy si ricordava bene che la sua cittadella un tempo era stata segnalata come “la culla delle teste calde”. Ripensava a quando si trovava con gli amici del lavoro e del birreria al comune per ascoltare le poche idee dei consiglieri, in piazza per discutere con questo e con quello, si ricordava anche di quelle belle baruffe accese e in un certo senso esteticamente molto apprezzabili, cominciate solo per difendere un amico o un idea, un’esperienza vissuta con altri, un partito o una fede. Il dandy se ne ricordava bene, anche se, dopo l’arrivo del nuovo sindaco, tutto sembrava esistere solo nel ricordo.
Quest’ultimo era un ometto piccolo in vero, non solo di statura, ma anche di cuore e di testa. Il dandy lo aveva visto arrivare nella cittadella con le sue ditte, la sua squadra di calcio, le sue catene di supermercati. Il piccolo uomo si era in seguito accorto che il canale locale “telecittadella” non era dei più seducenti, e così aveva anche deciso di comprare una, due, tre reti televisive piene di ragazzette danzanti e di ometti più piccoli ancora del piccolo sindaco, per evitare la lesa maestà.
Ma quello che preoccupava di più il dandy era che il piccoletto, non contento, aveva anche comprato quelle belle poltrone a tutti i piccoli cittadini della piccola cittadella, perché ci si potessero accoccolare sopra e vedere quella minuscola televisione. 
Così nessuno aveva più il tempo ne la voglia di vedere gli altri. Tutti erano sulla loro poltrona, decisi a restarci. Neppure Tony aveva più voglia di discutere col dandy o di pensare a come aggiustare le cose che nella cittadella non funzionavano più. Il dandy doveva ammettere che solo quel nuovo sindaco continuava, pavoneggiandosi, a fare cose, accumulare beni, chiamare altri piccoli ometti al suo fianco, nei suoi ranghi, i quali però, avendo le gambe troppo corte e il cuore troppo piccolo per raggiungerlo subito, ci mettevano del tempo a arrivare, non riuscendo a organizzarsi per raccogliere tutte le loro firme. Ma il piccoletto non se ne curava, tanto nessuno gli avrebbe detto nulla. Egli aveva tutto il tempo per configurare la cittadella e i suoi abitanti a sé.
Assorto in questi pensieri, il dandy era ormai giunto nella piazza principale, dove la bandiera della cittadella sventolava ancora, incurante di aver perso ogni valore.
Il dandy iniziò allora a tirare la corda, fino a quando la bandiera arrivò a mezz’asta, in segno di lutto.
Racconto popolare, XXI secolo, autore sconosciuto, disperso in mare.

-14. Elezioni

sabato 13 marzo 2010

Playing with Pictures


Mary Georgiana Caroline, Lady Filmer (English, 1838–1903)
Untitled loose page from the Filmer Album, mid-1860s
Collage of watercolor and albumen silver prints; 8 3/4 x 11 1/4 in. (22.2 x 28.6 cm)
Paul F. Walter 

Overview: Sixty years ahead of the avant-garde, aristocratic Victorian women were already experimenting with photocollage. The compositions they made with photographs and watercolors are whimsical and fantastical, combining human heads and animal bodies, placing people into imaginary landscapes, and morphing faces into common household objects.
With sharp wit and dramatic shifts of scale akin to those Alice experienced in Wonderland, these images stand the rather serious conventions of photography in the 1860s and 1870s on their heads. Such images, often made for albums, reveal the educated minds as well as accomplished hands of their makers, as they take on new theories of evolution, the changing role of photography, and the strict conventions of aristocratic society. Together they provide a fascinating window into the creative possibilities of photography in the Victorian era and enduring inspiration for photographic experimentation today.
(Playing with Pictures: The Art of Victorian Photocollage on view at Metropolitan Museum of Art February 2 – May 9, 2010,)

László Moholy-Nagy

"Design is not a profession but an attitude... Thinking in complex relationships".

La poliedrica figura di Laszlò Moholy-Nagy, che spazia dalla pittura all'architettura, dalla scenografia alla fotografia  ed al cinema, dalla sperimentazione in ogni campo espressivo ad un forte e lucido impegno nel campo dell'educazione all'arte, è compendiata nella sua attività di teorico alla costante ricerca di una nuova defini­zione sociale del ruolo dell'artista in un mondo ed in un tempo caratterizzati dall'egemonia degli apparati tecnico-industriali e dalla conseguente trasformazione di tutta la rete delle relazioni socioculturali (1).
Moholy-Nagy - che, non va dimenticato, fu anche direttore del nuovo Bauhaus quando questo venne trasferito a Chicago nel 1937 - è infatti fra i primi a capire che nel processo storico di trapasso dal lavoro artigianale a quello industriale è certamente implicata anche l'arte sia nella sua funzione che nei suoi valori e che questa trasformazione richiede che l'artista sia capace di instaurare un'intesa, un rapporto organico con la struttura produttiva (il che significa, in chiave marxiana, con la Storia), che implica per un verso la conoscenza delle tecniche moderne, dall'altro la consapevolezza che la produzione artistica non può più avvenire ad un livello semplicemente manuale-fabrile, ma richiede bensì un potente apporto ideativo-progettuale che subordina il suo compimento estetico alla messa in esercizio di quelle tecniche moderne di cui l’artista-progettatore deve saper disporre.
A ben vedere dunque, la ricerca di questo rapporto organico precede necessar­iamente da una mimesi formale-concettuale del modello tecnologico e proprio in quest'ottica si presta ad essere letta anche come una riproposizione di quel principio di imitazio­ne che se nell'estetica settecentesca fondava il nesso arte/natu­ra, a partire dall'Ottocento  si muove verso un nuovo ambito di inerenze, quello fra arte e società, nel quadro del quale esso andrà incontro ad un graduale ma inesorabile dissolvimento del proprio carattere puramente estetico proprio sull'onda dell'avven­to della tecnica e dei mutamenti culturali ivi derivanti anche nel campo dell'arte.

venerdì 12 marzo 2010

Design VS Poverty

Diversamente ONLUS e Sergio Olivotti con il patrocinio di EIDD Design For All lanciano la seconda edizione del FaceBook-concorso per la realizzazione di un manifesto di grafica sociale. Il tema di quest'anno è DESIGN VS POVERTY.
Il brief La crisi finanziaria internazionale, le guerre, le azioni devastanti di un capitalismo oligarchico, hanno fatto sì che l'alba del nuovo millennio, lungi dal portare segnali positivi per il benessere del mondo, abbiano segnato la nascita di una nuova globale POVERTÀ.
Accanto alle forme tradizionali di estrema povertà dei paesi del terzo mondo, se ne stanno manifestando di nuove anche nei paesi una volta considerati immuni al problema.
A seconda della propria sensibilità, della propria esperienza personale, dei propri sentimenti, i progettisti che parteciperanno al concorso potranno concentrare la loro analisi sulle nuove povertà dei paesi una volta più ricchi del pianeta, o sulla povertà estrema delle parti meno fortunati del mondo:
1) Nel mondo marketing-oriented esiste l'idea preconcetta che il cibo è un prodotto. Questo preconcetto errato è la base delle peggiori forme di povertà, quelle tipiche dei paesi più poveri del mondo, e appare lontanissimo da quanto affermato nella Dichiarazione Universale dei Diritti dell'Uomo: "Ogni individuo ha diritto ad un tenore di vita sufficiente a garantire la salute e il benessere per se stesso e per la propria famiglia". Il cibo dovrebbe essere dunque un diritto umano inalienabile.
Secondo l'economista Amartya Sen, premio Nobel nel 1998: "La fame è la caratteristica per cui le persone non hanno cibo a sufficienza. Non è tanto la caratteristica per la quale non c'è abbastanza cibo da mangiare. Se il secondo punto può essere dovuto al primo, ma è solo una delle tante possibili cause ".
La questione della povertà non è esclusivamente legata al concetto di quantità e distribuzione degli alimenti. È anche legata al concetto di alimentazione di qualità: mangiare tutti e mangiare meglio.
2) Anche se l'Unione europea è una delle aree più ricche del mondo, il 17% dei cittadini UE possiede ancora risorse talmente limitate da non potersi permettere la soddisfazione dei bisogni minimi. Esiste dunque un nuovo tipo di povertà che colpisce i paesi cosiddetti industrializzati, una povertà che tocca ampi e diversificate fasce della popolazione afflitte da una costante insicurezza economica e sociale.Questo fenomeno potrebbe non essere così eclatante come in altri luoghi della terra, ma è comunque importante, e dipende dalla presenza contestuale di diversi fattori, come l'incapacità di affrontare la crisi individuale o familiare, associata alla elevata vulnerabilità dei rapporti e la inferiore visibilità sociale di soggetti ad alto rischio di esclusione, come le famiglie mono-parentali, giovani con lavoro precario, persone sopra i 50 che sono stati licenziati, e così via.

-16. Elezioni


http://it.wikipedia.org/wiki/Quinto_potere

Turner et ses peintres

C’est à juste titre qu’on parle beaucoup (et partout), de l’exposition Turner et ses peintres organisée du 24 février jusqu’au 24 mai 2010 au Grand Palais de Paris.
Il y a là une toile qui nous a fortement touché. Il s’agit de "La Plage de Calais, à marée basse, des poissardes récoltant des appâts". Huile sur toile, 1830, 73 x 107 cm. Calais en fait nous rappelle une blessure française et européenne qui nous touche tous, de près. Aujourd’hui en fait, à travers ces mêmes plages de la Manche, passent les migrants qui attendent de pouvoir partir pour l’Angleterre. Nous avons vu le 22 septembre dernier comment on les accueille.
Cette toile de Turner, qui a toujours cherché l’aide savante des maîtres étrangers du passé et de son temps (Le Lorrain, Rembrandt, Titien, Poussin, Watteau) nous pousse à réfléchir sur ce jeune peintre qui entra à la Royal Academy of Art à l’age de 26 ans et sur sa capacité de trouver dans l’autre, dans l’étranger, une aide à sa vie et à sa vocation. De même, nos yeux sont amenés par la beauté du tableau, à se poser sur les travailleurs que Turner peint, silencieux, fatigués mais ensemble et presque en paix, devant ce soleil qui se couche. Au moins, dans l'imagination..